CRÍTICA “En nombre de la tierra”

Cuando los cimientos caen

La tierra, la corporalidad femenina y la expresividad. Estas tres ideas sostienen el relato de En nombre de la tierra (2023), basado en la novela “The peasants” de Władysław Reymont a principios del s.XX. Una historia que por su simplicidad narrativa, se caracterizaba por la capacidad lingüística de transportar a las costumbres campesinas de la época en Polonia. De dibujar y de expresar desde la literatura un cuadro en movimiento de sucesos cotidianos que se comunicaban con algo más que las palabras. 

Hugh Welchman y Dorota Kobiela vuelven a traer a las pantallas de cine otra película en su ya definido estilo artístico de animación que les trajo tan buenas críticas con su anterior película Loving Vincent (2017). Y en esta nueva obra, Jagna será la protagonista que conecte el arte con la belleza y tragedia de su vida como campesina.

Sin dudas, la obra reclamaba una apuesta por el uso de la técnica utilizada en esta adaptación, pudiendo retratar a través de sus planos estáticos, al estilo lienzo, una belleza visual equiparable a lo extraordinario de su texto.

En cierta medida, la película logra precisamente lo que se propone: embelesar al espectador con su belleza artística. Con el uso de los colores y las perspectivas, alcanza casi encontrar un punto entre observar un cuadro con una historia abierta a quien interprete, estático en el tiempo, pero hermoso. Y visualizar una obra artística en movimiento que esclarece lo que hay detrás de lo que se interpreta.

Sin embargo, precisamente procurando situar al espectador en esa nube de belleza, se aleja de la verdadera naturaleza de la obra. Su propia existencia como película resulta del todo confusa ante los acontecimientos que van sucediendo la trama. Y es que esta es una de las tres patas de las que cojea la obra. Pues si bien es hermosa en su esencia, no deja de concebirse como una sucesión de postales encuadrados en una gran pantalla de cine, en las que por desgracia se pierde la esencia de la corporalidad de su texto y su trama.

Welchman y Kobiela escogieron una obra literaria que se basa en la propia materialidad de las palabras y de la conversión de lo mundano y cotidiano en algo más allá de lo visual, en poesía. Pero las palabras en la obra también tienen un fuerte significado conforme va transcurriendo la historia, y en este caso, el diálogo es sustituido por la imagen que no esclarece significativamente sucesos importantes para el entendimiento de la historia. Hay un atropellamiento constante con el tiempo y el ritmo que se maneja durante todo el film, con secuencias efímeras que comprimen diálogos necesarios para la fluidez de la trama, y momentos largos de pura estética en los que en ocasiones, se pierde el hilo de la trama. 

Por último, el montaje revela la reticencia por excederse en lo artístico y guiar al espectador con indicaciones en letras grandes los espacios temporales por los que pasa la trama. Y aunque es de agradecer, resulta desalentador ese desaprovechamiento de lo que sí puede valerse puramente la imagen. 

Concluyentemente, resulta ser una película que no justifica en demasía la vuelta al uso de esta técnica artística de animación. Por un lado por las dudas constantes que se encuentra en la propia dirección por el fallo en la utilización de lo estético para lo que sí es relevante en el film. Por otro lado, con la falsa máscara de animación que esconde debajo la filmación casi al completo, de toda la película con actores reales y que convierte a la película en un especia de transmutación entre lo real y lo “animado” que no llega a funcionar.

Como fruto de esto, se crea una película poco esclarecedora y mal gestionada en su adaptación pero con mucha capacidad y potencial en lo que podría haber sido. Algo muy común en los films basados en obras literarias donde el guión adaptado es una de las bases del éxito de la obra. Y que nos muestra que los cimientos y la tierra de la propia película tambalean al igual que sus campesinos.

Calificación Animatic