Crítica “Arco”

Arco (Ugo Bienvenu, 2025) llega a las salas de cine españoles después de su paso por el Festival de Cannes 2025 en el que descubrimos una obra que entiende la animación no como género menor, sino como territorio de ensayo artístico y político dentro del cine europeo contemporáneo.

La inclusión de Arco en el festival supuso una reivindicación de la animación como lenguaje plenamente adulto y competitivo dentro del circuito. Más allá de la sección en la que participó, su recepción crítica evidenció una apertura creciente del festival hacia formas híbridas y propuestas visualmente arriesgadas, alejadas de los cánones industriales. En ese contexto, la película de Ugo Bienvenu se convirtió en uno de esos títulos que, sin necesidad de grandes artificios, generan conversación sobre los límites del medio.

No solo le sirvió como escaparate para posicionarla internacionalmente sino que consolidó su identidad como obra que busca dialogar con las grandes preocupaciones contemporáneas. En este caso, la crisis climática y la alienación tecnológica, desde una sensibilidad estética radicalmente depurada. En un festival donde cada selección implica una toma de postura cultural, Arco operó casi como un manifiesto silencioso: la animación también puede ocupar ese espacio de prestigio sin renunciar a la forma.

Un minimalismo gráfico con vocación narrativa

Uno de los aspectos más distintivos de Arco es su estilo de dibujo minimalista. Bienvenu, procedente de la ilustración y la novela gráfica, construye la película a partir de líneas limpias, fondos depurados y una economía visual que evita el exceso digital. Este minimalismo no responde a limitaciones técnicas, sino a una decisión estética coherente: cada trazo parece pensado para no distraer de la emoción ni del concepto.

El resultado es una animación que se aleja del hiperrealismo y apuesta por la sugerencia. Los espacios abiertos y silenciosos transmiten una sensación de vacío que dialoga directamente con el aislamiento emocional de los personajes. En este sentido, la película se acerca más a una pieza plástica en movimiento que a una narrativa convencional, reforzando esa idea de que el dibujo puede ser también una forma de pensamiento.

Ecología y ciencia ficción: una fábula adulta

En su superficie, Arco cuenta la historia de un niño del futuro que viaja accidentalmente al año 2075 y entabla amistad con una niña, Iris. Pero bajo esa premisa de aventura se esconde una reflexión claramente medioambiental: la humanidad vive las consecuencias de una catástrofe climática, refugiada en estructuras artificiales y mediada por tecnologías que sustituyen los vínculos humanos.

Lo interesante es que la película evita el didactismo. No hay discursos explícitos ni moralejas simplistas; en su lugar, propone una melancolía constante, una sensación de pérdida que impregna el relato. Frente a otras tradiciones más subrayadas, Arco confía en la inteligencia del espectador adulto, planteando preguntas más que respuestas: ¿qué significa crecer en un mundo ecológicamente colapsado? ¿Qué queda de lo humano cuando la tecnología sustituye el afecto?

El tiempo como materia: contemplación y desplazamiento

Donde Arco alcanza su mayor singularidad es en su tratamiento del tiempo, y especialmente en cómo entrelaza su dimensión contemplativa con los propios viajes temporales que estructuran el relato. Lejos de utilizar el desplazamiento en el tiempo como un recurso de tensión o espectáculo, como haría la ciencia ficción más convencional, la película lo convierte en una extensión natural de su ritmo pausado.

Los saltos temporales no aceleran la narración: la expanden. Cada cambio de época funciona como una pausa ampliada, como si el tiempo no se fragmentara sino que se dilatara en distintas capas coexistentes. Así, el viaje del protagonista no introduce urgencia, sino distancia; no genera vértigo, sino una forma de extrañamiento que refuerza la contemplación.

Esta dilatación convierte el tiempo en un espacio que se recorre lentamente, casi como un paisaje. El espectador no “sigue” la historia en términos clásicos, sino que la atraviesa, deteniéndose en los intervalos, en los silencios entre un momento y otro. En este sentido, los viajes temporales funcionan menos como estructura narrativa que como dispositivo sensorial: permiten percibir el paso del tiempo como pérdida, como eco, como huella.

Aquí es donde la película dialoga con una cierta tradición del cine francés que ha entendido el tiempo como experiencia antes que como progresión dramática. Resulta inevitable pensar en el cine de Robert Bresson, donde la depuración formal transforma la duración en intensidad, o en Claire Denis, cuya narrativa fragmentaria privilegia la percepción sobre la causalidad.

También resuenan ecos de Agnès Varda, especialmente en esa forma de observar sin imponer un sentido cerrado, dejando que los espacios, y en el caso de Arco, incluso los tiempos se revelen progresivamente. Como en estas filmografías, el relato se construye por acumulación de instantes: gestos mínimos, pausas, desplazamientos que adquieren peso precisamente porque el tiempo no los empuja, sino que los sostiene.

Este enfoque puede resultar exigente, incluso desconcertante. Hay momentos en los que la película parece suspendida entre épocas, como si no terminara de pertenecer a ninguna. Sin embargo, es en esa suspensión donde emerge su propuesta más coherente: entender el tiempo no como una línea que se recorre, sino como un estado que se habita.